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"Libros de texto" de tocar el violín. Los métodos y técnicas innovadores más comunes y científicamente interesantes del aprendizaje musical primario para tocar el violín.

Probablemente no sea un secreto para nadie que las escuelas de música para niños han experimentado recientemente dificultades con la inscripción.

Este hecho tiene varias razones:

Disminución del interés por la música clásica,

pasividad de los padres,

La adicción a la computadora de los niños.

Por lo tanto, absolutamente todos los que quieran estudiar son aceptados en la escuela de música.

Los maestros-músicos enfrentan una tarea difícil: hacer que el proceso de aprender a tocar el violín sea interesante y emocionante para activar a los niños para estudios posteriores. La etapa inicial de formación es decisiva para el crecimiento ulterior de un joven músico, por lo que se le debe prestar una atención especial.

Hay muchas formas y métodos de trabajar con niños pequeños, y su elección depende del ingenio del maestro y la habilidad del niño.

El primer encuentro del profesor con el alumno es un momento importante. Para un niño, esta impresión es decisiva. Desde cómo se ve el maestro, la forma de comunicación, la capacidad de conquistar al niño, complacerlo e interés en la música, es muy importante para ambas partes. Ya en las primeras lecciones hablo con el alumno sobre una variedad de temas, determino el grado de preparación, la actitud hacia la música, aprendo sobre el entorno familiar, sobre cómo pasa su tiempo libre. Todo esto sugiere la mejor manera de empezar a trabajar con él.

El alumno llega a la primera lección sin violín. Tiene 5 o 6 años. Tiene muchas ganas de practicar, pero no tiene ideas sobre las clases y sobre el instrumento.

Habiendo encontrado y recogido un instrumento del tamaño adecuado para él, definitivamente le muestro el violín al estudiante, dejo que lo sostenga y lo toque en sus manos. Juntos analizamos de qué está hecho el violín. Descubrimos que es de madera. Pregunto qué árboles conoce el niño y te digo exactamente de qué tipo de violín está hecho (espiga y arce). Pongo el instrumento al lado del bebé y empiezo a presentarle las partes del violín. El propio alumno toma parte activa en esto - ¿Qué tenemos en lo más alto? - Cabeza. - Y nuestro violín es pequeño, tiene una cabeza. - El siguiente es el cuello con usted, y el violín? El alumno responde: - el cuello. Entonces encontramos el torso (cuerpo del instrumento), la cintura, los hombros, descubrimos de dónde proviene el sonido: la boca.

Tomo el violín y toco diferentes canciones: por ejemplo, "Canción sobre el avefría" de M. Jordansky, "Canción de cuna" de I. Dunaevsky, "Canción de mayo" de W. Mozart. ¿Cómo es la música?, pregunto. Siempre escucho la respuesta correcta: - A la canción.

Le muestro las cuerdas al estudiante: “Solo hay cuatro, pero puedes tocar todo en ellas. El violín no solo toca, canta, cuenta, pero solo sin palabras, quien sabe escucharla, entiende lo que canta.

Además, familiarizando al estudiante con el nombre de las cuerdas, trato de darles características figurativas. Por ejemplo: “Aquí está la primera cuerda, chirría como un mosquito sobre la oreja, ¡pipí! mi-¡y y! La segunda cuerda es sonora, la. ella siempre tiene buen humor y ella canta como un saltamontes. Pero la tercera cuerda es seria, formal, re. Es la más estricta y a veces hasta enfadada, y luego no suena, pero gruñe: ¡rrre! Y todo porque cuando los muchachos comienzan a aprender a tocarlo y cometen muchos errores, la cuerda D se enoja mucho. Finalmente, la cuarta cuerda. sal. Esta es la cuerda más gruesa, zumba como un abejorro entre las flores. Intenta tocar las cuatro cuerdas y memorízalas: mi, la, re, sol.

Entonces, nos familiarizamos con el violín, con sus cuatro cuerdas. No vale la pena memorizar los nombres de las partes del violín y el arco todavía, para no sobrecargar al estudiante con un conjunto de nombres extraños difíciles. Es mejor familiarizarse con las partes del violín y el arco gradualmente, según la necesidad práctica.

Ahora puede comenzar los ejercicios que preparan el trabajo en la producción:

1. En primer lugar, empiezo con ejercicios de relajación. El estudiante debe recordar y lo más importante comprender qué es una mano relajada y qué es una mano entrelazada.

1) “cámaras”: apretar fuertemente los puños durante unos segundos, luego disolver.

2) "manos arriba": estira los brazos hacia arriba, estira los dedos. Luego, solo caen los dedos de ambas manos, después de una breve pausa: las manos, luego el antebrazo y el hombro.

2. Para enseñarle al bebé a pararse correctamente, distribuyendo uniformemente el peso en ambas piernas, el ejercicio me ayuda. "Llevar". Habiendo caminado varias veces, como un pie zambo, el niño recuerda muy bien que cuando se toca el violín, uno no debe pararse sobre una pierna, sino sobre dos.

3. Para preparar mano derecha Los siguientes ejercicios me ayudan a trabajar:

1) "ramita con una hoja": el brazo está doblado por el codo (el brazo es una ramita, la mano con los dedos es una hoja). El viento sopla con fuerza: una rama con una hoja se balancea. El viento se calmó: la hoja con una ramita se congeló.

2) "reloj": el brazo está doblado a la altura del codo y al nivel de la cintura. Levantamos el cepillo hacia la nariz (miramos el reloj de cerca), luego a la posición inicial, luego movemos la manecilla hacia adelante (miramos el reloj de lejos).

4. Para preparar mi mano izquierda para el trabajo, me ayudan los siguientes ejercicios:

1) "Pinocho": lleve el pulgar de la mano izquierda a la nariz, disuelva los dedos; llevar al dedo meñique pulgar mano derecha, dedos abiertos. Párate unos segundos, mueve los dedos. Luego giramos y llevamos el dedo meñique de la mano izquierda a la nariz, nos paramos unos segundos, movemos los dedos. Este ejercicio ayudará a que la mano izquierda gire a la derecha hacia el cuerpo del violín.

2) "espejo": la mano está vuelta con la palma hacia sí misma, los dedos están redondeados, como si estuviera sosteniendo un espejo. Por persuasión, siempre le doy al niño un espejo redondo y hacemos lo siguiente: lo dirigimos hacia nosotros o hacia la izquierda de nosotros.

5. Asegúrese de incluir ejercicios para la coordinación de manos:

1) Brazos doblados a la altura de los codos, agitando una palma "adiós", el otro - "ven aquí".

2) Dibujar con una mano "Sol"(círculo), el otro - "lluvia"(líneas verticales).

Hacemos cada ejercicio varias veces. Trato de que el niño recuerde sus nombres, luego en casa será fácil para él recordar y repetir todo.

En la siguiente lección añado nuevos ejercicios. La medida en que se llevan a cabo estos ejercicios depende de las capacidades individuales del alumno. Siempre trato de no sobrecargar su atención. Incluso con un ejercicio breve, el alumno se cansa, y luego la mejor relajación para él será cantar canciones.

Siento al estudiante a mi lado en el piano y le presento la canción que aprenderá. Primero me canto con letra y acompañamiento, él escucha. Luego nos ocupamos de su contenido y carácter. Luego comenzamos a aprender la canción con la voz. Después de aprenderlo, es útil ejecutarlo primero sin palabras, aplaudiendo el patrón rítmico con las manos y luego cantar con acompañamiento.

Habiendo terminado los ejercicios de desarrollo del oído, asegúrese de repetir lo que se trató en la lección: el nombre de las cuerdas, algunos ejercicios que preparan la posición de las manos. Resumiendo la lección, llamo la atención del alumno sobre lo que ya ha aprendido, lo que está haciendo bien, definitivamente lo elogiaré. Y en la primera lección puse tarea: - recordar todo lo que se hizo en clase y repetir.

Si veo los ojos alegres del niño y su deseo de venir a la próxima lección, entonces se logró el objetivo y pude interesarlo y cautivarlo. Y esta es una pequeña victoria para mí.

Bibliografía

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2) Miltonyan S. Curso introductorio de interpretación del violín. M, 1987.

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5) Rodionov K. Lecciones iniciales juegos de violín M, 1987.

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Introducción

Como escribió L. S. Auer en el libro “Mi escuela de violín” Auer L. S. Mi escuela de violín. Interpretación de obras de clásicos del violín. M., 1965.: “Por mucho que enfatice la importancia de los primeros pasos simples en el complejo proceso de dominar el violín, no hay peligro de exagerarlos. Para bien o para mal, los hábitos formados en el período inicial de la educación afectan directamente todo el desarrollo posterior del estudiante.

De hecho, el aprendizaje inicial de tocar el violín está asociado con toda una serie de problemas y limitaciones. El mayor logro del maestro es encontrar un enfoque individual para el niño, la capacidad de interesarlo en la música y al mismo tiempo correcto (desde las primeras lecciones) enseñando a trabajar con el instrumento.

No en vano comentábamos antes sobre la pasión por la música. que sobre el juego correcto. niños edad más joven según su percepción, es muy importante no perder las ganas de aprender. Así es como S. Afanasenko y L. Gabysheva escriben sobre cómo enseñar a tocar el violín en escuela de Musica. - M.: Editorial "Clásicos XXI", 2006.: "Un niño que llega con un deseo más o menos expresado de tocar el violín se ve obligado en un primer momento a esperar pacientemente hasta que esto sea posible. Y antes de eso, soporta un trabajo muy aburrido: tocar sonidos monótonamente duraderos en cuerdas al aire y tocar como una balalaika. Incluso un poco más tarde, cuando el alumno ya está jugando con el arco y todos los dedos de la mano izquierda, a pedido del maestro, de vez en cuando vuelve a esa "música", que se parece poco a la interpretación real. de violinistas.

En este trabajo analizaremos las principales características de la enseñanza de niños que se inician en el violín, trabajando con material metodológico sobre este tema. Por separado, dedicaremos capítulos a la escuela tradicional y moderna de enseñanza del violín, y también nos detendremos en los problemas asociados con las características psicológicas y metodológicas de este tema.

En conclusión, resumimos la experiencia de investigación sobre este tema, tratamos de identificar fuertes y lados débiles cada escuela

1. Métodos pasados de enseñanza del violín

M. Berlyanchik Berlyanchik MM Fundamentos de la educación de un violinista principiante: Pensamiento. Tecnología. Creación: Tutorial. - SPb.: Editorial "Lan", 2000. en su obra "Fundamentos de la educación de un violinista novato" escribe: "En la actualidad, la enseñanza generalizada de los niños a tocar el violín, en relación con el nivel alcanzado de ejecución doméstica, se encuentra en estado de crisis. Entre los muchos y diferentes razones Resaltemos el hecho de que los docentes aún no tienen un trabajo generalizador sobre teoría moderna y la metodología de la formación inicial del violinista. En ausencia incluso de un libro de texto sobre el curso de metodología para universidades y colegios de música práctica docente sólo puede basarse en unas pocas obras. Dedicado a ciertos aspectos de la interpretación del violín: entonación, producción de sonido, digitación, técnica de golpe, etc. (obras de I. A. Lesman, K. G. Mostras, V. Yu. Grigoriev, I. M. Yampolsky, M. B. Lieberman, A A. Shirinsky y otros), como así como los primeros intentos de generalizar la actividad creativa de destacados maestros domésticos: L. Auer, L. Zeitlin, A. Yampolsky, Yu. Eidlin, Yu. Yankelevich, B. Belenky e intérpretes: maestros D. Oistrakh, L. Kogan, M. Vayman, B. Gutnikov, E. Grach. Pero en estas publicaciones, que ahora están al alcance de las nuevas generaciones de violinistas, no se destacan los temas de la educación primaria”.

En efecto, sólo podemos nombrar tres obras dedicadas al aprendizaje primario directo del violín: la obra de B. A. Struve “Ways desarrollo inicial jóvenes violinistas y violonchelistas" (1952), ayuda para enseñar T. V. Pogozheva "Cuestiones de métodos para enseñar a tocar el violín" (1963) y la obra traducida de K. Flesh "El arte de tocar el violín", cuya primera parte se publicó en traducción al ruso en 1964.

El trabajo de Struve, a pesar de muchas proposiciones y afirmaciones obsoletas (especialmente en relación con cuestiones de naturaleza ideológica), sigue siendo, quizás, casi el único intento en nuestra literatura de llamar la atención del lector-maestro sobre reflexiones independientes sobre los problemas fundamentales de enseñar a los niños a tocar el violín. Desafortunadamente, una serie de comentarios perspicaces del autor (por ejemplo, el trabajo sobre la colocación de las manos, la extracción del sonido, la entonación) no recibieron más desarrollo.

Las posiciones metodológicas del manual de Pogozheva hoy en día están en gran parte desactualizadas. En particular, debido a la obvia "prescripción" de recomendaciones, la tendencia a considerar la formación de habilidades interpretativas en línea con la teoría del reflejo, el deseo de regular el desarrollo de un violinista, distribuyendo los componentes de su habilidad en etapas-clases, independientemente de las características individuales de los talentos de los niños.

En cuanto a la obra capital de Flesh, en ella, así como en las obras mencionadas anteriormente dedicadas a ciertos aspectos de la actuación, las disposiciones teóricas y metodológicas se dan sin tener en cuenta las características de edad del alumno, lo que no permite obtener una idea de la existencia de un sistema integral de educación violinista primaria por parte del mayor maestro extranjero.

Cabe señalar que en el curso del desarrollo histórico, el método de formación inicial de violinistas en el curso del desarrollo histórico se desarrolló de forma puramente empírica. Hasta la fecha, ha resultado estar arrancado, por un lado, del análisis científico y la generalización de las mejores prácticas de las escuelas de interpretación nacionales y extranjeras, y por otro lado, de los logros ciencia moderna: datos de historia del arte y estética, psicología y fisiología, musicología teórica y escénica que son metodológicamente importantes para la pedagogía del violín para niños.

Las observaciones prácticas y el análisis de la literatura metodológica disponible (muy modesta) nos convencen de que las cuestiones más esenciales del contenido y la construcción de fases iniciales aprendizaje. Mientras tanto, es bien sabido que es el comienzo de las lecciones de violín, sus objetivos, nivel profesional y logros reales los que determinan el destino de un violinista en todas las etapas posteriores de formación.

Detengámonos con más detalle en los principios de trabajar con estudiantes de la "vieja" escuela.

En el pasado, el desarrollo de la técnica del violinista siguió el camino de aplicar una gran cantidad de ejercicios para las manos izquierda y derecha (bastante recordar las conocidas colecciones de Genkel, O. Shevchik y otros). Su interminable y mecánica repetición no sólo entorpecía el sentimiento musical, sino que tampoco aportaba gran beneficio desarrollo técnico, porque al mismo tiempo que se llevó a cabo una actitud consciente hacia el ejercicio, no hubo una explicación precisa y confiable de la esencia de tal o cual técnica de juego.

El método de "colocación desarticulada de manos" (como uno de los postulados del principio de "separación de tareas"): los ejercicios para cada mano se realizaron por separado. Es curioso que las objeciones justificadas a este método hayan sido presentadas ya en los años treinta, por ejemplo, por V. N. Rimsky-Korsakov. Anticipándose a las ideas científicas modernas, escribió con razón que los métodos mecánicos individuales “nunca darán el resultado final, la interpretación musical, y por sí solos ni siquiera se combinarán en un proceso común de ejecución, si no están sujetos a un proceso completamente específico. más alto, en comparación con ellos, trabajo psicofisiológico (nervioso)” Rimsky-Korsakov V. N. Sobre la cuestión de un libro de texto estable para instrumentos de arco en la escuela // Sov. música. 1934. Nº 10..

No se le dio suficiente importancia al trabajo del antebrazo de la mano derecha, se prestó atención solo a las acciones de la mano, aisladas de los movimientos de todo el brazo, que, al estar presionado contra el cuerpo, estaba constantemente en una posición baja. . Para. Para que la mano no se apartara del cuerpo, se colocaron diversos objetos: libros, cepillos, platos, etc.

Esta posición de la mano derecha en ausencia del movimiento de rotación natural del antebrazo (la llamada pronación) determinaba su movimiento casi vertical y la posición vertical de la mano. El resultado de esto fue un débil sonido en la parte superior de la proa.

Para igualar la fuerza del sonido en todo el arco, se atenuaba artificialmente el sonido en el bloque, utilizando una pequeña cantidad de pelo, y en la parte superior del arco se tocaba con todo su ancho.

2. Asi queescuela temporal de violín

metodologica de la educacion del violin

La principal diferencia entre la práctica docente moderna y la experiencia de logros pasados en esta área es un enfoque integrado para aprender a tocar el violín. Esto se refiere al desarrollo simultáneo en el estudiante de diferentes cualidades y propiedades, tales como artísticas, literarias, físicas y, por supuesto, desarrollo musical niño. Por el momento, es impensable simplemente enseñar a un niño a simplemente sostener el instrumento correctamente y extraer de él los sonidos necesarios.

La estética y la pedagogía modernas proponen enseñar al niño a sentir la música, utilizando su vinculación con la literatura (selección y lectura de poemas, composición de canciones, etc.), la pintura (dibujar una melodía, seleccionar dibujos para una determinada música), la danza (desarrollo de la las cualidades plásticas y artísticas del alumno).

Diferentes escuelas de violín ofrecen sus propios métodos. Detengámonos en los programas más interesantes, en nuestra opinión.

Un paso importante en la preparación de la base metodológica para estudiar el violín fue dado por M.M. Tecnología. Creatividad: libro de texto. - San Petersburgo: Editorial "Lan", 2000. En él describió en detalle los problemas de la pedagogía musical moderna, dio una evaluación diferentes sistemas aprendizaje, y lo más importante, propuso el suyo propio, teniendo en cuenta varios factores de aprendizaje: “las tres apologías propuestas para el sistema de enseñanzas iniciales del violinista: pensamiento, tecnología, creatividad, deberían haber llamado la atención del lector sobre el apoyo necesario, principalmente en el desarrollo constante del pensamiento musical e instrumental del niño y su ineludible necesidad de creatividad. La tecnología, que ahora absorbe el máximo esfuerzo de alumnos y profesores, no se sitúa por casualidad en el centro de esta tríada. Por lo tanto, me gustaría enfatizar que, por un lado, El pleno dominio de la misma, sin duda, es de fundamental importancia para el desarrollo de la habilidad de un violinista. Pero, por otro lado, es infructuoso para él como Arte, si no está controlado por el pensamiento y no es alimentado por los jugos vivificantes de la creatividad.

Aquí hay extractos de un artículo de Turchaninova G. S. Cómo enseñar a tocar el violín en una escuela de música. - M.: Editorial "Clásicos XXI", 2006.. "Problemas urgentes de la educación primaria del violinista. Desarrollo integral del pensamiento musical y destrezas violinísticas”, en el que presenta sus principales ideas sobre el trabajo con niños que comienzan a aprender a tocar el violín:

A las clases de violín asisten hoy los niños con más niveles diferentes Habilidades generales y musicales. Por ello, su educación debe perseguir varios objetivos a la vez. Los principales, a nuestro juicio, son: 1) despertar el interés por la música y el amor por el instrumento elegido, 2) desarrollar la capacidad de movilizar la atención durante las clases; 3) la formación de representaciones auditivas como base del pensamiento musical; 4) desarrollo de la cultura músculo-motora y habilidades de juego.

Las representaciones musicales y auditivas, como se sabe, surgen y se desarrollan no espontáneamente, sino en el proceso de la actividad musical con un propósito como uno de sus componentes necesarios. Tales actividades necesarias incluyen, junto con el canto, la selección de oído, la composición, la transposición, etc. Es recomendable utilizarlas no solo en las clases de solfeo, sino también en las de violín, y precisamente en una etapa temprana del aprendizaje.

Desde la primera lección el niño medios disponibles está apegado a tocar el violín, a la presentación de al menos las imágenes musicales más simples, a trabajo creativo. Para hacer esto, no es necesario esperar hasta que el niño aprenda a sostener el instrumento correctamente o domine la notación musical: puede tocar canciones compuestas por niños con cuerdas al aire en las primeras lecciones. Al mismo tiempo, el violín debe colocarse sobre la mesa de modo que su cabeza quede ubicada a la derecha y el cuello a la izquierda del alumno. Luego el profesor muestra la técnica de extracción de sonido con un pellizco. Los chicos lo hacen sin mucha dificultad.

Desde el primer toque al violín, es importante escuchar su sonido. Cada cuerda tiene su propio timbre pronunciado, los niños lo entienden de inmediato. Cuatro cuerdas: estas son cuatro imágenes diversas, solo queda nombrarlas. Para los niños, esto no es difícil: generalmente le dan la cuerda Sol a un oso, D a un perro, La a una rana y Mi a un pájaro o un ratón. Luego intentaremos cantar estos sonidos, escuchando el sonido del violín y nuestra propia voz.

Después de eso, se le pide al niño que invente una rima. Inmediatamente, se adjunta "música" a las palabras: el estudiante toca el violín (con un pellizco) y al mismo tiempo canta una canción.

Si el alumno no conoce la notación musical, al mismo tiempo que compone y toca canciones, comienza a estudiarla. En este caso, el niño graba solo los sonidos que toca y canta. En el camino, resulta cuál de los sonidos suena más alto (más delgado) y cuál suena más bajo (más grueso). Después de eso, el propio estudiante intenta escribir su canción.

En las primeras lecciones, también puede comenzar a transponer, que luego se da gran importancia. Se hace así. Primero, el maestro cuenta una historia de cuento de hadas. Por ejemplo, había una vez un conejito en el mundo, salió a caminar, cantó una canción en el camino (se canta una canción inventada por un niño, que él canta de inmediato). Luego, el maestro en el piano o el violín improvisa una melodía descendente: "El conejito caminó y caminó y vino ... ¿A quién?" - "¡Al oso!" - grita el bebé. - "Correctamente. El oso también quería cantar la misma canción. ¡Tócala en el violín! ¿Dónde está la cuerda de Mishka? ¡Y ahora canta! ¿Difícil? Entonces cantaré, - el maestro canta la sal de una pequeña octava, - y tú cantas el mismo sonido, solo que más delgado, como si lo cantara un osito. Si se transpone una canción como “Frogs”, entonces se canta en sol mayor (el maestro toca el instrumento).

metodo efectivo La educación compleja de un violinista principiante, un factor importante en el desarrollo de su pensamiento musical y violinista es la familiarización temprana con las posiciones, que está estrechamente relacionada con la transposición. La creatividad de los niños también proporciona una ayuda significativa en esto. Los niños continúan voluntariamente componiendo canciones. Uso de tetracordios e intervalos formados al tocar en posiciones. Inventan letras o usan letras conocidas.

Previamente, incluso antes de que comience la ejecución real del violín, se introducen los conceptos de semitono y tono, como la distancia más cercana y más amplia entre dos sonidos. Esto sucede tanto durante el canto como al colocar los dedos en el diapasón. Luego, la habilidad de "dispersión" grupal (es decir, colocación simultánea) de los dedos se forma de acuerdo con los sonidos del tetracordio mayor (la mitad entre los dedos 2 y 3). La "caída" de los dedos está organizada para que el alumno sienta el papel principal del 4º dedo en esta acción.

Tan pronto como el niño ha aprendido a "esparcir" los dedos, comienza a dominar (sin violín) los movimientos en articulación del codo(como al cambiar de posición). Al mismo tiempo, los niños necesariamente controlan la concentración de los dedos y producen mentalmente su "dispersión". Luego se domina el tetracordio mayor en la primera posición (en las cuerdas de A y D). Su desarrollo está precedido por solfeo y transposición de piezas y estudios compuestos sobre su base. Así, al empezar a tocar el violín, el niño tiene una buena idea de lo que tocará con su oído interno.

La siguiente etapa es deslizar la mano izquierda a lo largo del cuello, luego se domina el movimiento de la mano a la quinta posición ”, se propone aprender todo esto en un lenguaje accesible para el estudiante, con la ayuda de canciones y poemas.

Familiarizado con el movimiento de la mano a lo largo del cuello. El estudiante transfiere el tetracordio mayor a la tercera posición. Masterizado previamente en primera posición. Al mismo tiempo, se le informa que cuanto más alta sea la posición, más dedos se deben lanzar. En este momento, el niño ya está familiarizado con el concepto de "intervalo", también conoce intervalos específicos: segundos grandes y pequeños (tono, semitono), quintos, cuartos. Por lo tanto, al mover a la tercera posición algunas piezas que se tocaron anteriormente en la primera (por ejemplo, "Gallo"), no hay necesidad de decirle al niño sobre eso. Que los dedos deben colocarse por separado.

Al principio, el alumno juega con un pellizco. Al mismo tiempo, por supuesto, se está trabajando en su mano derecha. En la primera oportunidad (criterios: calidad del sonido y cierta estabilización de los movimientos de interpretación), puede combinar el trabajo de las manos en voces cortas separadas ...

La experiencia del uso de tales métodos nos convence de que la introducción temprana de posiciones, combinada con la activación de la audición y el desarrollo de habilidades creativas, brinda una serie de ventajas en el desarrollo de un joven violinista. En primer lugar, - se están desarrollando los requisitos previos para el pensamiento abstracto - se está formando la capacidad de generalización de juegos musicales. que activa oído interno y dominar el diapasón. El juego en posiciones y la transposición asociada a él animan notablemente el proceso de dominar el escenario original. Los mismos niños a menudo sugieren transponer una nueva pieza a una tonalidad diferente o ejecutarla en una posición diferente.

La experiencia también ha demostrado que a los niños que no se familiarizaron con el juego en las posiciones en primer grado les resulta mucho más difícil dominar todo tipo de transiciones más adelante. Dichos estudiantes no logran inmediatamente una buena transición incluso a través de una cuerda abierta, sin mencionar el deslizamiento correcto a lo largo del diapasón. Y la quinta posición estropea el estado de ánimo del alumno y del profesor durante mucho tiempo.

Los métodos descritos enriquecen significativamente las ideas de los violinistas principiantes sobre varias claves y su significado musical. La quinta proporción de cuerdas ayuda a recordar cuatro tonalidades agudas mayores (con tónicas sol, re, la, mi). Luego se les agregan los menores: los niños conocen firmemente las claves paralelas de mayor y menor de uno a cuatro signos. Luego dominan do mayor y la menor, tonalidades bemol mayores (en orden inverso - desde el primer dedo en la cuerda mi - con las tónicas fa, si bemol, mi bemol, la bemol).

Es en el primer año de estudios cuando es necesario realizar el trabajo más profundo, polivalente y minucioso con los principiantes, teniendo en cuenta, por un lado, sus capacidades y, por otro, la perspectiva de desarrollar las bases musicales y escénicas. destrezas y habilidades. Con este enfoque, se asegura una interpretación de alta calidad del repertorio inicial (aunque no demasiado complicada), y se crean mejores requisitos previos para un dominio más consistente y sostenible de todos los componentes de tocar el violín en los años siguientes.

Galina Turchaninova sugiere la siguiente metodología para llevar a cabo las primeras lecciones introductorias: “Todos los estudiantes de la clase vienen a la primera lección para los niños. Felicitan a los recién llegados por su entrada en el mundo de la música. Luego se lleva a cabo un pequeño concierto para interesar a los niños en la perspectiva de tocar el violín ... Y en el futuro tratamos de hacer un uso extensivo de actividades extraescolares para estimular el interés del niño en las lecciones de música, para expandir su percepción figurativa. . Con este fin, se llevan a cabo regularmente reuniones de toda la clase (lo que une mucho a los chicos), que incluyen actuaciones de niños, escuchar música y grabaciones, interpretar sus propias composiciones, mensajes sobre aniversarios de músicos, artistas y escritores, juegos musicales. . Los padres también están presentes en dichas reuniones.

Para llamar la atención del niño hacia el lado figurativo del sonido. También se utiliza la tarea. Cada vez que recibe algún tipo de tarea creativa: componer variantes de versos para acompañamiento melódico, elegir la imagen adecuada o dibujarla él mismo.

Durante el período de dominio de la notación musical y ajuste de los dedos, cada cuerda del violín se puede "pintar" en su propio color: la sal será marrón, Re - verde, La - rojo, Mi - azul. Grabar los coros y las canciones cortas interpretadas en diferentes cuerdas en el color apropiado ayuda a atraer la atención de los muchachos hacia el lado del timbre del sonido. Las tarjetas de notas tienen el mismo propósito. Con su ayuda, un niño puede tomar notas de una melodía, sin saber aún cómo escribir notas. En cada carta se dibuja una nota en un color u otro. Y en el reverso se indica su nombre y se pega un dedo. Las tarjetas ayudan al principiante a comprobar de forma independiente la memorización correcta de las notas y la digitación. E incluso después de dominar los conceptos básicos iniciales de la notación musical, es útil mantener las notas en diferentes colores y doblar las melodías de las tarjetas durante algún tiempo. Ya que, gracias a ello, se estimula la visión figurativa del niño y se activa su orientación en la escala, lo que contribuye al desarrollo del pensamiento musical.

La posesión de posiciones y sus cambios es uno de los componentes más esenciales de la técnica de la mano izquierda del violinista. El destacado profesor de violín Yu. I. Yankelevich señaló que "los casos de difícil desarrollo de la técnica que se encuentran en la práctica pedagógica... a menudo se asocian precisamente con defectos en los métodos de cambio de posiciones". La importancia de tocar en posiciones también es grande para el lado artístico de la actuación. Dado que cada cuerda del violín tiene un timbre característico, los cambios de posición brindan posibilidades ilimitadas para conservar o contrastar timbres dentro de frases y oraciones musicales, expandiendo así la paleta de colores del sonido.

En las viejas escuelas, como saben, la primera posición se estudió durante mucho tiempo. Antes de empezar a tocar en otras posiciones, el alumno tenía que pasar por estudios y piezas bastante difíciles (en varias tonalidades, usando diferentes golpes, notas dobles, tempos rápidos) en la primera posición. Dominio de la segunda, tercera posición y posiciones posteriores. Así, se separó artificialmente del estudio de las técnicas de juego en la primera posición. Eso creó dificultades significativas en el camino de su dominio natural y armonioso de los conceptos básicos de la técnica del violín. Por lo tanto, la metodología moderna recomienda iniciar el estudio de posiciones y transiciones lo antes posible. El programa de la clase de violín de las escuelas de música para niños prevé este trabajo desde el segundo grado. En opinión de G. Turchaninova, el inicio del conocimiento de las posiciones debe estar determinado no por el período de estudio, sino por la presencia de requisitos previos que aseguren el éxito de este trabajo. Estos requisitos previos incluyen: la ausencia de tensión muscular excesiva al adaptar las manos al instrumento, la libertad de tocar los movimientos de las manos izquierda y derecha, la pureza de la entonación (la capacidad de corregir independientemente los sonidos inexactos), una cierta movilidad de los dedos .

El primer paso en el aprendizaje de las posiciones es que se debe mostrar y explicar al estudiante el principio de jugar en la segunda y tercera posición. Al mismo tiempo, debe darse cuenta de la conexión entre el movimiento de la mano izquierda a lo largo del cuello con la conservación de la disposición grupal de los dedos y el correspondiente cambio en las distancias entre ellos. Este objetivo se cumple de dos maneras:

transposición de una melodía interpretada con una digitación idéntica,

repetición de una melodía en la misma clave en diferentes posiciones con un cambio en la digitación.

Conclusión

Por lo tanto, actualmente se están realizando búsquedas bastante exitosas del sistema más exitoso para enseñar a los niños a tocar el violín. Tenga en cuenta los principios básicos sistema moderno educación, resumiendo lo anterior.

El principio de enseñanza basado en el desarrollo de propiedades pronunciadas, inclinaciones y habilidades. Este principio determina que la "entrada" en el sistema de dominio es conveniente al optimizar el desarrollo de aspectos específicos del talento del estudiante.

El principio de entrenar a un violinista principiante en un alto nivel de requisitos de habilidad profesional. Este principio se implementa en una variedad de formas: en el curso del estudio de obras musicales y el dominio de los medios de su interpretación, impregna, en esencia, todo el proceso de estudio- desde los primeros pasos hasta las etapas finales.

El principio de la actividad productiva conjunta encuentra su realización, ante todo, en la periodo inicial entrenamiento, cuando se sientan las bases de la posesión de instrumentos de manera integral, el desarrollo del pensamiento musical y una actitud creativa hacia las clases.

El principio de variabilidad es un bloque muy importante de la teoría sistémica del desarrollo de los fundamentos de la ejecución del violín. Indicaciones para su implementación en la práctica de las enseñanzas del violinista, incluso en etapa inicial, son múltiples y sumamente significativos. Están directamente relacionados con el desarrollo del pensamiento analítico en el campo de la creatividad interpretativa musical y la tecnología para tocar el violín, con la formación de modelos de habilidades instrumentales generalizadas (invariantes), con la repetición y acumulación de material, y mucho más. Este principio debe ser considerado como una alternativa a la inequívoca normatividad existente en la práctica educativa, que no permite desviaciones y variaciones de aquellos patrones congelados, pero supuestamente inquebrantables, que se han establecido en las ideas. Cierto número maestros

El principio de continuidad en la enseñanza de un violinista principiante es tan ambiguo como los principios anteriores. Requiere, en primer lugar, la identificación del complejo básico (un sistema de propiedades, habilidades), que debe colocarse en los cimientos del edificio del dominio desde el principio. Y luego, con la ayuda de diversos medios pedagógicos, este complejo puede servir como factor para lograr un nuevo nivel de desarrollo constante.

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Introducción

No en vano comentábamos antes sobre la pasión por la música. Que sobre el juego correcto. Para los niños pequeños, según su percepción, es muy importante no perder las ganas de aprender. Así es como S. Afanasenko y L. Gabysheva escriben sobre cómo enseñar a tocar el violín en una escuela de música. - M.: Editorial "Clásicos XXI", 2006.: "Un niño que llega con un deseo más o menos expresado de tocar el violín se ve obligado en un primer momento a esperar pacientemente hasta que esto sea posible. Y antes de eso, soporta un trabajo muy aburrido: tocar sonidos monótonamente duraderos en cuerdas al aire y tocar como una balalaika. Incluso un poco más tarde, cuando el alumno ya está jugando con el arco y todos los dedos de la mano izquierda, a pedido del maestro, de vez en cuando vuelve a esa "música", que se parece poco a la interpretación real. de violinistas.

En conclusión, resumimos la experiencia de investigación sobre este tema, tratamos de identificar las fortalezas y debilidades de cada escuela.

Métodos pasados de enseñanza del violín

M. Berlyanchik Berlyanchik MM Fundamentos de la educación de un violinista principiante: Pensamiento. Tecnología. Creatividad: libro de texto. - SPb.: Editorial "Lan", 2000. en su obra "Fundamentos de la educación de un violinista novato" escribe: "En la actualidad, la enseñanza generalizada de los niños a tocar el violín, en relación con el nivel alcanzado de ejecución doméstica, se encuentra en estado de crisis. Entre las muchas y diversas razones, destacamos el hecho de que los docentes aún no cuentan con un trabajo generalizador sobre la teoría y metodología modernas de la formación inicial del violinista. En ausencia incluso de un libro de texto sobre el curso de metodología para universidades y colegios de música, la práctica pedagógica puede basarse en solo relativamente pocos trabajos. Dedicado a ciertos aspectos de la interpretación del violín: entonación, producción de sonido, digitación, técnica de golpe, etc. (obras de I. A. Lesman, K. G. Mostras, V. Yu. Grigoriev, I. M. Yampolsky, M. B. Lieberman, A A. Shirinsky y otros), como así como los primeros intentos de generalizar la actividad creativa de destacados maestros domésticos: L. Auer, L. Zeitlin, A. Yampolsky, Yu. Eidlin, Yu. Yankelevich, B. Belenky e intérpretes: maestros D. Oistrakh, L. Kogan, M. Vayman, B. Gutnikov, E. Grach. Pero en estas publicaciones, que ahora están al alcance de las nuevas generaciones de violinistas, no se destacan los temas de la educación primaria”.

De hecho, solo podemos nombrar tres trabajos dedicados al aprendizaje inicial directo para tocar el violín: el trabajo de B. A. Struve "Formas del desarrollo inicial de jóvenes violinistas y violonchelistas" (1952), el manual educativo y metodológico de T. V. Pogozheva "Cuestiones de métodos de enseñanza para tocar el violín violín” (1963) y la obra traducida de C. Flesh “El arte de tocar el violín”, cuya primera parte se publicó en traducción rusa en 1964.

Cabe señalar que en el curso del desarrollo histórico, el método de formación inicial de violinistas en el curso del desarrollo histórico se desarrolló de forma puramente empírica. Hasta la fecha, ha resultado estar divorciado, por un lado, del análisis científico y la generalización de las mejores prácticas de las escuelas de interpretación nacionales y extranjeras, y por otro lado, de los logros de la ciencia moderna: datos de historia del arte y estética, psicología y fisiología, musicología teórica y escénica.

Las observaciones prácticas y el análisis de la literatura metodológica (muy modesta) disponible nos convencen de que las cuestiones más esenciales del contenido y la construcción de las etapas iniciales de la educación siguen sin estar claras. Mientras tanto, es bien sabido que es el comienzo de las lecciones de violín, sus objetivos, nivel profesional y logros reales los que determinan el destino de un violinista en todas las etapas posteriores de formación.

Detengámonos con más detalle en los principios de trabajar con estudiantes de la "vieja" escuela.

En el pasado, el desarrollo de la técnica del violinista siguió el camino de aplicar una gran cantidad de ejercicios para las manos izquierda y derecha (bastante recordar las conocidas colecciones de Genkel, O. Shevchik y otros). Su interminable y mecánica repetición no solo embotó el sentimiento musical, sino que tampoco trajo mucho beneficio al desarrollo técnico, porque al mismo tiempo llevó a cabo una actitud consciente hacia el ejercicio, no hubo una explicación precisa y confiable de la esencia de este o esa técnica de juego.

Como regla general, los adultos no establecen un objetivo profesional: convertirse en violinistas, pero con el enfoque metodológico correcto, los principiantes adultos al principio avanzan incluso más rápido que los niños debido al hecho de que tienen más habilidad desarrollada comprender lógicamente (teóricamente) nuevo material y generalmente más concentrado.

Hay que admitir que también hay excepciones. Mi alumno, que empezó a tocar el violín a la edad de 26 años, no tenía ninguna base educativa seria antes, simplemente no sabía cómo estudiar. Su tiempo de enfoque fue de 20 minutos al principio (Nivel 4-5 niño de verano). Al mismo tiempo, su capacidad auditiva es excelente, al igual que su conocimiento general de la música (trabaja en una tienda de discos y se sabe de memoria toda la música, tanto clásica como pop). Las ganas y el esfuerzo fueron, sin embargo, enormes. Después de un año de clases, trabajó productivamente durante una hora, tocó con un sonido muy hermoso con vibración, dominó la tercera posición, el trabajo serio en la pureza de la entonación dio resultados, la habilidad natural para improvisar se manifestó en el violín. Programa - Concierto de Vivaldi A-moll 1ª parte

Momentos psicológicos: un deseo intencional consciente es una ventaja incondicional. La madurez general de los sentimientos se manifiesta en interpretaciones musicales más maduras.

Las principales desventajas de enseñar a estudiantes adultos:
1. Menos flexibilidad de las articulaciones en comparación con los niños. Esto se manifiesta en mayor o menor medida, de lo cual depende el progreso técnico general.
2. Se necesita más tiempo para que el nuevo material ingrese al subconsciente: automatización de las habilidades adquiridas, es decir, un adulto debe mostrar mucha más paciencia y diligencia para lograr resultados técnicos sostenibles.
3. inestabilidad psicológica asociada al hecho de que la educación no se inició en la infancia. Se necesita un apoyo constante, mostrando y enfatizando los propios logros, aunque sean pequeños, pero perceptibles a la vista y al oído.

¿Cómo explicarle a un violinista principiante la necesidad de lecciones de solfeo?

Violín- un instrumento que requiere un oído muy delicado, porque no tiene teclas ni trastes específicos, como en una guitarra. si un

la audición es insuficiente por naturaleza, entonces su desarrollo es posible y necesario.
La voz se acerca más al violín por la capacidad de mover el glissando arriba y abajo, finos matices, lo que hace posible el mayor virtuosismo y expresividad.

El cerebro establece un programa sobre la música del futuro, y la voz es el instrumento más cercano al cerebro. Las señales del cerebro no tienen que viajar a través de todo el cuerpo y los brazos, por lo que desarrollar el oído, el ritmo y otros conceptos musicales a través del canto es lo más fácil para un estudiante.
Al tocar un instrumento, mecanismos complejos neuronas cerebrales que transforman, en sentido figurado, los pensamientos en movimientos-sonidos y viceversa.

El maestro puede controlar el desarrollo de la audición a través del canto, pero a través del silencio, ¡no puede! :).
El profesor también puede, a través del canto (el camino más corto), establecer la información necesaria sobre la música: pureza de entonación, lectura de notas, ritmo, fraseo, matiz, carácter, etc.
todo esto es solfeo.

La palabra "solfeggio" es correcta, pero muy abstracta, por lo que asusta un poco a los principiantes: es necesario descifrar, luego aprender solfeggio ocurre conscientemente y brinda los mejores resultados.
El material estudiado debe estar necesariamente vinculado a la práctica, luego los resultados son muy tangibles, desde estudiar la escala hasta un concierto de 3 páginas. Esto significa que cualquier material musical debe ser realizado y cantado antes de tocar el instrumento.

El resultado de la práctica adecuada será la entonación pura al tocar, el desarrollo de la habilidad de mirar las notas y no tocar un instrumento musical para escuchar música escrita y la capacidad de trabajar en un texto musical sin un instrumento.
Cuando se trabaja el oído armónico y el estudio del ritmo, se desarrolla la capacidad de improvisación.

Los beneficios de las clases de solfeo se aplican plenamente a otros instrumentos musicales.

Nos reunimos con un estudiante una vez por semana - por cierto, ¿qué piensas, para ser útil, es suficiente una vez o debería haber dos clásicos?

Deseable clásico 2 veces por semana. Con mala coordinación, problemas con las manos u otros problemas que dificultan el aprendizaje, las reuniones más frecuentes con el maestro pueden corregir la situación.

Una vez a la semana son posibles las consultas de un violinista que toca.

Ella sonríe con orgullo: ¡así es como lo hago! muestra - Estoy en estado de shock: una mano en un espasmo, vibración con una frecuencia impensable, como balidos... un completo fiasco, en fin... así que todavía no sé cuál fue mi error. Es decir, por supuesto, si la viera todos los días, intervendría, corregiría... pero por otro lado, si le diera la actitud correcta, probablemente esto no sucedería...

Ajuste de vibración en el violín.

Comience a configurar la vibración c carpal.
En primer lugar, sin violín, comprobar la libertad de la articulación de la muñeca (balancín hacia atrás lento, ligero y libre).

Coloque la mano en la 3ra posición cuando la mano toque el costado (esto evita que la articulación de la mano y la muñeca se mueva hacia adelante).

Entiendo que palabra clave aquí "atrás". Es muy exitoso para una descripción breve e inteligible del movimiento, pero, sin embargo, por interés, "adelante" en la vibración ya terminada todavía está presente, al menos un poco. Entonces, ¿usamos la palabra "atrás" con fines puramente técnicos?

Es importante que el primer movimiento sea hacia atrás y, de hecho, el movimiento "hacia adelante", a una posición neutral media del cepillo.

Marque la "ventana": el cepillo del costado del dedo índice no se presiona contra el cuello. El violín se sostiene en parte por la cabeza, en parte por dos dedos: el pulgar y el que vibra.
Explicar y mostrar esta posición de la mano con el movimiento del cepillo, preparando la vibración, es muy útil para los principiantes que aún no están listos para configurar la vibración real. Empiezan a ver la perspectiva de su propio avance y se suelta el cepillo.

Alternativamente, colocando los dedos en la barra (al principio sin presionar hasta el final), continúe con el balanceo lento, ligero y libre de la mano hacia atrás. Asegúrese de que la mano se mueva, no la articulación.

El movimiento debe estar necesariamente organizado rítmicamente bajo un metrónomo o una partitura de "hierro", primero en cuartos, luego en octavas, tresillos de octavas, séxtuples, semicorcheas. Al mismo tiempo, el sonido al principio es similar a un maullido rítmico; esto no debe tener miedo. Es importante desarrollar una vibración libre controlada y no un apretón de manos apretado.

Cuando la habilidad comience a desarrollarse, muévase a la primera posición al principio solo bajo la supervisión de un maestro.

¿Hay algún peligro aquí? ¿cuál?

Errores comunes: habiendo perdido el apoyo de la coraza, la mano comienza a moverse de manera no paralela a las cuerdas, hacia adelante o la articulación se mueve en lugar de la mano.

Desde el principio, la mayor parte del ejercicio se lleva a cabo sin arco, cuando el movimiento se ve bien a la vista y se siente bien: el arco está conectado en notas largas.

En la interpretación de piezas con arco, la vibración se realiza inicialmente sólo en notas largas. No debe configurar la tarea para que vibre toda la nota a la vez. Es importante sentir que tiene tiempo para hacer un "swing" tranquilo y sin complicaciones, aunque solo sea una o dos veces.

Pero en paralelo, sin arco, es bueno enseñar (interpretando con la voz y colocando los dedos, sin pizzicato) toda la pieza a un ritmo muy lento, haciendo vibrar TODAS las notas (agitando continuamente la mano para reacomodar los dedos sin presionarlos difícil).
Esto desarrolla el hábito de la vibración continua, elimina la tensión y el miedo a la transición de una nota a otra.

La vibración del codo se estudia sobre la base de una vibración del carpo bien ubicada, de lo contrario, el pinzamiento es inevitable. articulación del hombro y sobreesfuerzo de la cintura escapular. Las vibraciones mixtas y de codo pueden surgir de la necesidad musical de actuar en una música emocionalmente intensa.

¿Y el dedo? En el sentido: ¿movimientos oscilatorios (flexión-extensión) de la articulación del clavo? ¿Debo prestar atención a esto para principiantes o es para los "profesionales"? Cuando estudiaba en el consulado, vivía con una chica que estudiaba con Belenky, entonces ya bastante mayor y al poco tiempo murió. Le dio muchos ejercicios para la "falange", como la llamaban... recuerdo, le enseñaron: el estado del dedo es fideos... porque cuando la "falange" trabaja, un "humano" muy hermoso la vibración aparece con un mínimo de esfuerzo en general.

Es importante que los principiantes coloquen esta misma falange correctamente desde el principio, para que luego no haya problemas con sus fluctuaciones. Debe ser bastante flexible, aunque no "fracasado". Yo diría que no son "fideos", sino más bien un "trampolín": se dobla si saltan sobre él.
Es posible que las falanges de las uñas de esta niña estuvieran muy apretadas, por lo tanto, para aumentar el efecto, la comparación se dio de forma exagerada.

Cuando se establece correctamente falanges de las uñas la vibración de la mano se transmitirá a las falanges sin problemas.

Elementos de ajuste de vibración en el violín. esculpir a mano

¿Cómo es - "esculpir la producción"? Esta palabra también se encuentra entre los metodistas del piano. Pero sin mucha explicación. Tengo una amiga maestra, así que cuando le traen un niño, advierte a los padres que durante los primeros seis meses guiarán el arco (por el tornillo), y el niño solo seguirá pasivamente sus movimientos (de arco). Si te refieres a esto, entonces es comprensible, si es algo más, entonces no.

Sí eso. Además, al principio, pongo físicamente cada dedo de la mano izquierda al principiante, controlando la relajación de los músculos de la palma y los dedos (verificando el estado de los hombros en el camino). Y la mano derecha también: no solo sostenga el arco por el tornillo, sino que también sostenga los dedos forma deseada y, lo más importante, ajustar el peso del codo.

Por cierto, esta es la respuesta a la pregunta. "¿Debo jugar con todo el arco al principio, porque no es nada fácil controlar el arco en el bloque?"
Si el maestro mantiene todo esto bajo control, entonces, por supuesto, desde el principio es posible dar una cantidad bastante grande de técnica de arco: notas largas de cantilena (prestando atención a la conexión en las partes superior e inferior), detalle en las partes superior, media e inferior del arco, cambiando las cuerdas legato y detache, martle lento, staccato lento (tocar todo el arco con pausas), así como varias combinaciones.
Los diferentes tipos de técnicas de reverencia se complementan entre sí, desarrollando las habilidades necesarias, ampliando los horizontes de la visión del alumno sobre las perspectivas y no dejándolo aburrirse en la lección.
Si no hay certeza de que se aprendan los movimientos correctos, solo puede hacerlo en el aula.

Cómo hacerlo para que no diga palabras innecesarias, no sobrecargue a una persona, y todo sería en etapas, de simple a complejo, fácil y comprensible. Como dicen de los grandes maestros: hablaban muy poco :)

¡Buena pregunta! :)
Las cuestiones metodológicas generalmente no se discuten con los niños pequeños (4-6 años). Durante la colocación de las manos, es necesario comunicarse con ellas, concentrando su atención con imágenes adecuadas y comparaciones sobre las sensaciones de las manos y el cuerpo.
¿Qué pasa con las explicaciones? Transmisión física directa de sensaciones: el maestro "esculpe" la producción con sus propias manos. En pocas palabras, juega con las manos de un niño. Es muy importante desde los primeros pasos lograr la libertad del cuerpo del alumno, la obediencia de las manos, la "plastilina". Esto se logra mediante juegos-ejercicios preliminares y preparación psicológica.
Por ejemplo, puede decirle a un estudiante: "El violín no es un instrumento musical fácil, por lo que debe tomarlo muy en serio y no hacer movimientos incorrectos desde el principio. Pero definitivamente lo ayudaré, no quiero le resulte difícil aprender. Jugaré con sus manos, luego se acostumbrarán a los movimientos correctos, "etc. Este es el punto principal, el nivel de idioma con los niños puede ser aún más accesible y simple.

Hay una expresión: "los niños pequeños piensan médula espinal". Esto refleja la verdad de que las sensaciones motoras son primarias y la comprensión lógica juega un papel secundario (3-5 años). La memoria motora está muy desarrollada, todas las habilidades se adquieren extremadamente rápido e inmediatamente pasan al subconsciente, es decir, se automatizan.
Por lo tanto, el maestro tiene una gran responsabilidad: si se inculcan movimientos incorrectos, se necesitará mucho más tiempo para corregirlos.

El mismo método es adecuado para estudiantes mayores. Cuanto mayor es el estudiante, más puede percibir las reglas teóricas y ejercer un control consciente sobre sus movimientos. La tarea del maestro es comprender cuánta información no sobrecargará al alumno.
Pero la transferencia física de sensaciones y el control inmediato del resultado siguen siendo la base principal para establecer manos, incluidos los adultos. Esta es la razón principal por la que los libros y tutoriales de violín no funcionan bien sin un profesor.

Requiere un ingenio especial por parte del maestro relacionado con enseñar a los estudiantes adultos la técnica de ponerse las manos solas (este método no funciona con niños): comprender los principios de trabajo de los diferentes grupos musculares, verificar y eliminar la tensión, etc.

¿Con qué firmeza tengo que mantener sus dedos en el arco con mi mano? ¿Debería haber algún signo de una raya en el dedo allí?

Sujétalo tan fuerte como un arco :). Solo que sin el peso de la mano (ya veces con él para mostrar el peso de la mano). O más débil, si ves que solo te falta dar dirección. A veces es puramente psicológico: sostienes tu mano cerca del arco, suena normalmente, lo quitas, comienza a agarrar el arco con más fuerza de la necesaria (la responsabilidad destruye;))
Fingerstroke (movimiento elástico de los dedos) se puede hacer después, lo principal es que los movimientos van de grandes a pequeños, luego vendrá el fingerstroke.

¿Cuánto tiempo para sentarse en el juego pizzicata con la mano izquierda? Después de todo, provoca demasiada presión del dedo sobre el diapasón, más fuerte de lo necesario cuando se toca con un arco.

La colocación de la mano se realiza por separado. Hasta que se fijen las habilidades correctas en ambas manos, pasar a manos conectadas está plagado de tensión y pérdida de calidad del juego.
La fuerza de presionar el dedo depende de la configuración dada por el maestro. Primero, él mismo coloca cada dedo, indicando cuánto presionar (quizás incluso menos de lo requerido si hay una tendencia a presionar demasiado el dedo). El sonido no es demasiado sonoro, lo principal es que se puede distinguir el tono. Cuando el arco está conectado, la fuerza de presión de los dedos aumenta ligeramente para obtener una calidad de sonido.
Por lo tanto, el pizzicato, por el contrario, es una opción más libre y fácil para la mano izquierda y luego puede usarse para aprender nuevas piezas dentro de un año o tres.

... ¿un problema como el primer y segundo dedo "pegados"? En caso afirmativo, ¿cómo lidiar con eso? Incluso yo tengo esta adherencia, por supuesto, en pequeña medida, pero todavía interfiere mucho (es decir, la vibración continua, cuando se cruza el primero o el segundo en una fila), tengo que adaptarme :(

El pegado de 1-2 dedos es ciertamente un error en la configuración inicial. Empezaría a corregir no con vibración, sino con ejercicios individuales.

Los principiantes deben prestar mucha atención al primer dedo. Puedes explicar su posición así: su uña "mira tu cara" :), está girada en relación con otros dedos. Luego, en la región de 2-3 falanges no hay "pegado", y se enseña a los dedos a actuar de forma independiente. También es necesario alinear la posición del nivel del cepillo con respecto al mástil del violín. Es posible "pegar" si la mano se coloca bastante baja con dedos no muy largos.

Corrección de esta deficiencia.
En una posición estática, debe encontrar la posición correcta de los dedos (ver arriba) y luego, muy lentamente y relajando los músculos, tocar el campo de cada presión (quizás sin arco y sin pizzicato; lo principal es la concentración completa en 1-2 dedos) ejercicios para cambiar 1-2 dedos. Cuando el ejercicio comienza a funcionar, aumentando gradualmente el ritmo (50-60-70-80, etc.)
Esta nueva habilidad debe consolidarse, teniendo en cuenta que los adultos necesitarán al menos 400 tiempos correctos en cada tempo para automatizar. Y luego, transfiriéndolo a material musical, controle constantemente la calidad de la interpretación.
Luego pase a la vibración real: los mismos ejercicios con relajación de la mano + rítmica lenta (por ejemplo, 4 "swings" - en el primer dedo, 4 - en el segundo) vibración del carpo, aumentando de manera similar el ritmo.

Shaykhatdarova Mileusha Minakhmetovna

profesor de violín

Primera categoría clasificatoria

MBU DO "Escuela de Artes Infantiles"

Métodos para aprender a tocar un instrumento musical (violín).

La técnica del violín se ha desarrollado históricamente. En el pasado, violinistas destacados como Francesco Geminiani, Giuseppe Tartini y muchos otros crearon obras metódicas, escuelas y tratados. Fue ampliamente conocida la escuela de Leopold Mozart, que aún hoy no ha perdido cierto valor. Rasgo distintivo metodología moderna - el deseo de un amplio uso de datos científicos, principalmente - fisiología, psicología, pedagogía general.

Los logros de nuestra escuela doméstica de violín se resumen en muchos trabajos de los más grandes maestros y teóricos: Auer, Lesman, Struve, F. e I. Yampolsky, Mostras, Yankelevich y muchos otros.

La tarea de un maestro de un instrumento musical, su credo es una lucha constante para aumentar el papel del arte en su impacto en el desarrollo espiritual de una persona, la educación de una persona.

En el trabajo de un maestro de instrumentos musicales, debe haber una confianza en los principios de la pedagogía general, debe haber métodos y una conexión entre los procesos educativos y educativos. La educación educativa persigue la tarea de desarrollar las habilidades generales, la atención, la voluntad, las emociones, las necesidades artísticas y la moralidad del educando. En la implementación del principio de "educación educativa", es el maestro de instrumentos musicales el que juega el papel principal.

La tarea principal del maestro es la unidad del desarrollo artístico y técnico con el significado principal del principio artístico. Al mismo tiempo, el principio artístico debe estar asociado con métodos de enseñanza motores, auditivos y auditivo-motores. Es el método auditivo-motor que representa la unidad del desarrollo artístico y técnico. En la formación de cada alumno, se requiere un enfoque individual, sistemático y coherente, cuya violación conduce a malos resultados.

Desde las primeras lecciones, el profesor debe inculcar en el alumno una actitud consciente ante todo lo que hace. La condición más importante para los estudios conscientes es la comprensión por parte del alumno del propósito del trabajo realizado, las formas de lograrlo y el autocontrol.

El cerebro establece un programa sobre la música del futuro, y la voz es el instrumento más cercano al cerebro. Las señales del cerebro no tienen que pasar por las manos y todo el cuerpo, por lo que el desarrollo de la audición, el ritmo y otros

Las actuaciones musicales a través del canto son las más fáciles para el alumno. Al tocar un instrumento, se activan los complejos mecanismos de las neuronas cerebrales que, en sentido figurado, transforman los pensamientos en movimientos, sonidos y viceversa.

El material estudiado debe estar necesariamente vinculado a la práctica, luego los resultados son muy tangibles, desde estudiar la escala hasta un concierto de 3 páginas. Esto significa que cualquier material musical debe ser realizado y cantado antes de tocar el instrumento.

El maestro puede controlar el desarrollo de la audición a través del canto,poner la información necesaria sobre la música: , leer música, marcar el ritmo, fraseo, matiz, carácter, etc.

Siempre hay que tener en cuenta la edad. Los estudiantes más jóvenes aún no pueden ver la música como su futura especialidad. Pero a lo largo de los años, cada estudiante que ha elegido la música como su profesión, tarde o temprano llega a una conclusión: quién ser: un maestro o un intérprete. Es una cuestión de individualidad. Pero todo el mundo debería poder enseñar.

La práctica demuestra que no todos los artistas sobresalientes pueden ser buenos maestros, así como no todos los buenos maestros pueden ser virtuosos sobresalientes.

Metodología de la lección.

El maestro se prepara para cada lección, reflexiona y esboza un plan para su construcción. Preparándose para la lección material deseado: notas, manuales, grabaciones de audio y video, etc. Dependiendo de la situación, es posible variar la lección, introduciendo en ella un principio de improvisación.

La lección se lleva a cabo en etapas:

Examen tareas para el hogar.

Trabajar con el alumno sobre el material estudiado.

Es preferible identificar tarea central lección, enfocándose en ella en lugar de sobrecargar la lección con comentarios que retrasan el desarrollo del estudiante.

Los principales métodos de trabajo del maestro en la lección son una demostración en el instrumento y una explicación verbal. Así, el profesor muestra al alumno el material que se está estudiando, las formas de trabajarlo, las técnicas de ejecución. El profesor debe ser una persona interesante para el alumno, sociable y amable. Aquí es muy importante la unidad de los métodos emocional-artísticos y racionales para influir en el estudiante.

El orden de paso del material estudiado en la lección debe variar constantemente. El ritmo óptimo de la lección es un medio excelente para activar la actividad del estudiante. Y la forma de la lección debe corresponder a la tarea.

Tipos aproximados de lecciones:

Escuchar la pieza en su conjunto e identificar los defectos más significativos de la interpretación, centrando en ellos la atención del alumno.

Trabajar en de una manera artística y dificultades técnicas de la obra.

Realización de una lección en forma de muestra que guía al estudiante a un mayor trabajo independiente.

La efectividad de la lección solo es posible con una actitud creativa mutua hacia ella, tanto del maestro como del alumno.

Es necesario tener en cuenta la individualidad de cada alumno, evitando la enseñanza estereotipada. Las siguientes acciones de algunos maestros afectan negativamente la enseñanza, tales como:

Exigir del alumno obediencia incondicional a sí mismo;

- "entrenamiento" en lo que le parece correcto en este momento interpretación.

La lección debe tener una formulación y programación clara de la tarea, mostrando cómo hacerla, regulando el tiempo para cada sección, programando la "jornada laboral" del estudiante.

Se requiere horario de trabajo del estudiante

Regulación clara del momento de la implementación de una cierta cantidad del programa;

Actuaciones en conciertos académicos y exámenes.

Las cuestiones metodológicas generalmente no se discuten con los niños pequeños (4-6 años). Durante la colocación de las manos, es necesario comunicarse con ellas, concentrando su atención con imágenes adecuadas y comparaciones sobre las sensaciones de las manos y el cuerpo.
En lugar de explicaciones, una transmisión física directa de sensaciones: el maestro "esculpe" la producción con sus propias manos. En pocas palabras, juega con las manos de un niño. Es muy importante desde los primeros pasos lograr la libertad del cuerpo del alumno, la obediencia de las manos, la "plastilina". Esto se logra mediante juegos-ejercicios preliminares y preparación psicológica.
Por ejemplo, puede decirle a un estudiante: "El violín es el instrumento musical más difícil, por lo que debes tomártelo muy en serio y no hacer movimientos incorrectos desde el principio. Pero definitivamente te ayudaré, no quiero le resulte difícil aprender. Jugaré con sus manos, luego se acostumbrarán a los movimientos correctos", etc. Este es el punto principal, el nivel de idioma con los niños puede ser aún más accesible y simple.

"Los niños pequeños piensan con su médula espinal". Esta expresión refleja la verdad de que las sensaciones motrices son primarias y la comprensión lógica juega un papel secundario (3-5 años). La memoria motora está altamente desarrollada, todas las habilidades se adquieren extremadamente rápido e inmediatamente pasan al subconsciente, es decir. están automatizados.
Por lo tanto, el maestro tiene una gran responsabilidad: si se inculcan movimientos incorrectos, tomará mucho más tiempo corregirlos.

Hay un hecho frecuente de pereza y deshonestidad de los estudiantes, por lo que a los maestros les resulta difícil y luchan pacientemente con los perezosos.

Bibliografía.

Caja de herramientas Un curso de conferencias y ejercicios prácticos sobre la metodología de enseñanza para tocar el violín (viola) diseñado para estudiantes.tercero- IVCurso de escuelas de música. Crítico: Trabajador de Arte de Honor de la República de Tatarstán, Profesor del Conservatorio Estatal de Kazan Boris Volfovich Kaplun.

- Ctatya Metodología para la enseñanza del juego en preguntas y respuestas.hola// Arte- Olimpo. com// IEC - Centro Coordinador del proyecto "Escuelas Asociadas a la UNESCO".
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